Super 8

Suelen decir que todo depende de los ojos con se mire una cosa para decidir si es buena o mala. ¿Seguro? No lo tengo tan claro.

Ojo esta reseña contiene SPOILERS. ¿Qué puedo decir? Mira que puse todas mis buenas intenciones. Cogí palomitas, una manta y me tumbé en el butacón con mente abierta a ver Super 8.

Tras un comienzo bastante prometedor, por qué no decirlo, la cinta va poco a poco cayendo en la rutina. “De momento todo va bien hasta que aparezca el OVNI y la caguen” me dice la mujer que se sienta a mi lado en el sofá, sin que ella ni yo aún sepamos de qué va el tema todavía.

Yo no sé a los demás, pero a todos aquellos que de niños vimos Los Goonies, ET, y cualquier otra película ochentera de pandillas de críos, esta película es poco menos que un insulto a nuestra inteligencia. No obstante, para que no parezca que únicamente voy a destacar lo malo de ésta peli, destacaré algunos puntos positivos que sería de hipócritas no reconocer.

En primer lugar he de decir que como concepto de entretenimiento no está nada mal. No es una película que llegue a aburrir aunque su previsibilidad llega a límites insospechados. Así mismo, la fotografía es impecable, la música es fantástica y curiosamente no es John Williams aunque sí su estilo.

Los efectos especiales son, cómo no, muy buenos y la actuación de los chavales protagonistas es significativamente mejor que la de los adultos los cuales no ponen demasiado, o ningún interés.

No obstante, a parte de eso, todo lo demás es una verdadera lástima. Comenzamos con los actores adultos que son el colmo del estereotipo, un padre que pierde a su mujer y que tiene problemas de comunicación con su hijo pequeño. Otro padre alcohólico y que no cuida de su hija hasta que al final se descubre que no es un hombre malo sino todo lo contrario. Ah, y no olvidemos al clásico militar que es malo malísimo. Vamos, algo que no hemos visto nunca antes en el cine.

El guión como ya he dicho antes, comienza con fuerza y realmente llega a intrigar hasta cierto punto. No obstante, a medida que avanzan los minutos de metraje, la historia se pierde en la inmensidad y pierde atractivo. Repito, pierde atractivo porque hay tantos tópicos y estereotipos en éste filme que cuesta mucho trabajo no saber perfectamente qué va a pasar en la siguiente escena.

Al más puro estilo Spielberg - Abrams, la pirotecnia tiene un papel importante aunque realmente no es más que puro relleno y queda poco creíble. Vamos que cuando un tren descarrila, los vagones ni salen volando en todas direcciones, ni explotan como si llevaran nitroglicerina dentro.

Así pues, recuerdo la receta. Metemos en una coctelera todos aquellos componentes de “peli pandillera de los 80”, conjuntamente con “efectos especiales a cascoporro” y un “guion familiar”, con un centenar de “estereotipos”, agitamos bien y servimos un Super 8 bien fresquito.

Apta para todos aquellos que piensan que Spielberg y Abrams han sido alguna vez abducidos por alienígenas.

Balada triste de trompeta

Con ésta ya son tres las películas altamente recomendadas y con grandes críticas positivas, que después de su visionado me producen una clara sensación de malestar. Realmente me vuelvo a preguntar si ya no soy capaz de ver la palma de la mano delante de la cara.

¿Cómo definirla?...¿tal vez rara?...¿tal vez absurda?.....¿tal vez esperpéntica?.....¿o simplemente una basura? No lo tengo claro. La cuestión es que Balada Triste de Trompeta no tiene ni pies ni cabeza. El guión, por llamarlo de alguna manera, se pierde en la inmensidad y el espectador no sabe en ningún momento qué es lo que está viendo y va vagando entre imágenes de guerra, guardias civiles, pantalones campana, seats 1500 y narices rojas.

No en pocas ocasiones me han dicho, y es muy cierto, que tengo muchos prejuicios contra el cine español. ¿Pero qué puedo llegar a tener si cada vez que veo una película Made in Spain me encuentro con bazofias de un calibre indecente?

A lo largo de todo el filme nos encontramos una continua secuencia de imágenes desagradables, sangre oscura y chistes malos que llegan a ser de muy mal gusto. Vamos, todo muy forzado y sin ninguna creatividad.

¿Qué decir de los actores? No se salva ni uno. Ni tan sólo el motorista canijo que de vez en cuando se pega una piña al más puro estilo Mortadelo y Filemón para dar, sin conseguirlo, un atisbo de gracia al filme. Areces está mejor de “Bonito del to”. Este papel de Payaso-hombre de las cavernas-psicópata no le pega para nada y tiene poca credibilidad.

Lo único que se puede destacar como positivo es la música y fotografía. Un tono gris que da la sensación de reamente estar viendo una película de los 70. Lo mejor de todo los títulos de crédito, no es broma.

En resumen, alrededor de hora y media de bazofia inclasificable por género. Una soberbia pérdida de tiempo que hace que hasta las palomitas te sepan mal, algo que no debería pasar.

Apta para todos aquellos que aun están resentidos con sus padres por que una vez no quisieron llevarles al circo a ver a Gaby, Fofo, Fofito y Miliki.

Pa Negre

He de confessar que el tema de la Guerra Civil ja està més que avorrit. S’han fet una pila de pel·lícules que tracten sobre aquest tema o que al menys el tenen de darrere fons. Precisament per això aquesta cinta no em cridava gaire l’atenció.

Recordo que quan aquesta pel·lícula va ser noticia en els Goya. De l’únic del que es parlava era de que la cinta era en Català. Jo em preguntava...¿i què?? ¿Des de quan és important en quin idioma estigui feta una pel·lícula per guanyar un premi?

A veure. Si una cosa té aquesta producció es que en cap moment la llengua catalana es fa servir com vaixell insígnia. A diferència d’altres pel·lícules, en aquesta, el castellà no el fan servir personatges odiosos i dolents sinó gent normal com un mestre de poble o un simple Guardia civil (que no tots eren uns malparits). De fet un dels personatges més dolents, Sergi López, que sembla que l’ha agafat el gust a fer de facha, parla en català.

Per una altre banda, la major part de les critiques diuen que aquesta cinta no és més que un folleto catalanista en els que els republicans són els bons (més encara si son catalans) i els nacionals són dolentíssims.

Això no és veritat. Qui opina d’aquesta manera no ha permès que els arbres li deixin veure el bosc. El tema és com una guerra destrueix tot, fins i tot al ser humà arribant a convertir-se en una ombra del que era, i els ideals no tenen més valor que una pedra.

Per tant, aquest filme no és sobre guanyadors i perdedors. És centra en mostrar com tota aquesta desgràcia afecta a diferents persones d’un mateix poble. Com una dona perd al seu marit. Com un nen perd al seu pare. I el pitjor de tot, com aquest nen perd la fe i la confiança en tot allò que havia cregut tota la seva curta vida arribant a rebutjar als seus propis pares.

Són dues hores de metratge que en cap moment cauen en l’avorriment. Una grata sorpresa i un gran treball del Director Agustí Villaronga. Es important comentar que el pes del guió fonamentalment cau a sobre d’uns joves / nens (Francesc Colomer i Marina Comas ), que realitzen una interpretació força millor que la d’alguns adults que he vist en altres cintes.

En definitiva, una bona recomanació per tots aquells que vulguin gaudir de una gran peça del nostre Producte Interior Brut.

Una llàstima que en ple Segle XXI, alguns que van d’intel·lectuals i que es guanyen la vida deixant anar merda per la boca en programes de televisió esperpèntics, siguin tant curts de vista com per jutjar una obra com aqueta només per la condició sexual del director o les seves tendències polítiques. Però així ens va.

Letters from Iwo Jima

Después de aburrirme solemnemente con la “versión americana”, Flags of our fathers, ésta otra visión distinta y fuera de lo habitual que Letters from Iwo Jima ofrece, acabó por cautivarme.

La composición es simple. Es la historia de dos personajes que aparentemente no tienen nada que ver el uno con el otro pero que a medida que se desarrolla la historia, el guión los irá acercando poco a poco.

Por un lado tenemos a Saigo (Kazunari Ninomiya) un recluta joven, que es un panadero de profesión que como tantos otros lo último que desea es estar en el infierno de Iwo Jima. Por otro lado el General Kuribayashi (Ken Watanabe) es un elegante y rígido militar. Un gran estratega al cual le han encolomado la defensa de la isla de Iwo Jima aunque han olvidado contarle algunos pequeños detalles sin importancia, tales como que nadie va a acudir en su ayuda.

A diferencia de otros filmes de guerra en los que se trata de demostrar quién eran los malos y quien los buenos, en este caso, la película aborda temas un poco menos superficiales, como el honor, el sacrificio y el sentido del deber llevado al extremo más absurdo que convierten al ser humano en un simple objeto en manos de poderosos sin escrúpulos, conciencia ni moral.

Uno de los aspectos de ésta entrega que más impacto me causó, no son las escenas de violencia en combate. Sino aquellas en las que se presenta un sistema totalitario y caduco como el del Imperio del Sol Naciente en el cual, la vida de un simple ciudadano no valía nada, y esperaban que no sólo estuvieras dispuesto a sacrificar tu vida, sino que además esperaban que lo aceptaras con alegría porque “era un honor”.

Es curioso, o al menos a mí me lo pareció, ver que un Republicano convencido como Clint Eastwood se permitía criticar el siempre intocable y casi divino ejército americano en Flags of our Fathers, y en éste caso mostraba a los Japoneses con un lado humano, del cual están totalmente desprovistos en cualquier otra producción bélica que hayamos visto. En otras palabras, en ésta cinta no caemos en el clásico “todos los nazis y japoneses son malos” y “todos los americanos son buenos”.

El punto más acertado es sin duda que hecho de que la película se rodara íntegramente en japonés. De esta manera, la credibilidad, la autenticidad y el realismo es totalmente inquebrantable. A muchos no acostumbrados a ver las películas en VO, esto les molesta mucho porque es más cómodo oírlo en tu propio idioma sin duda.

También destaca de forma muy positiva la fotografía, con un tono tirando al gris verdoso que en algunos momentos te da la sensación de que la cinta sea en blanco y negro.

Escenas muy duras acompasadas por una música extraordinaria, hacen que el espectador sienta en su piel el horror de aquellos 20.000 japoneses, que únicamente podían elegir dos opciones, y ninguna de ellas te permitía vivir.

El principal punto negativo de éste producto es que en no pocas ocasiones cae en el aburrimiento. Hay diálogos demasiado largos y tal vez incluso filosóficos, o escenas de flash back no necesarias que rompen el ritmo, sobre todo considerando que se trata de una película con una duración muy respetable.

En definitiva una gran película en términos generales y una gran recomendación. Eso sí, no es apta para almas demasiado sensibles.

Rise of the Planet of the Apes

Hace ya unos 40 años, Chartlon Heston nos adentraba en un mundo diferente, yermo y hostil. Un mundo en el que todo vestigio de civilización humana tal cual la conocemos había sido sustituida por un grupo de simios, que ahora eran los amos mientras que los humanos eran sus cobayas.

En 1968 aparecía en la gran pantalla The Planet of the Apes, llegando a convertirse en uno de los referentes mundiales del género de Sci-Fi. Como la cosa funcionó, algún tiempo después llegaba una secuela, y no contentos con ello, llegaron tres entregas posteriores más, las cuales son tan horribles que no encajan ni en el género de serie B. De ésta manera se creó la Pentalogía del Planeta de los Símios.

Sabemos de buena tinta que la crueldad humana no tiene límites y por tanto, a alguien se le ocurrió que había que torturar más aún al espectador. Tim Burton en 2001 se inventó una historia paralela (un remake se podría decir) de la original del 68, creando una de las peores cintas de su filmografía (junto con Alicia en el país de las maravillas que aún estaba por venir).

Al menos yo pensaba que después de esto, nadie más osaría abrir la caja de Pandora. Sin embargo Rupper Wyatt pensó que era una buena idea explotar algo ya inexplotable y presentarnos una séptima entrega de la historia de los monitos. Algo muy “original” y sobre todo muy suculento. Lo mejor de todo, es que ésta terrible precuela o lo que sea, casi convierte en obras maestras las anteriores entregas. Rise of the Planet of the Apes.

Lo que más me ha sorprendido de todo, y la verdad es que empiezo a preocuparme, es que a muchísima gente, ésta cinta le parece buenísima. Empiezo a dudar seriamente de mi criterio cinematográfico. Nunca me he considerado un gran entendido en cine, pero he visto unas cuantas pelis y ahora empiezo a pensar que no entiendo nada de nada.

Alguien, en nombre de Dios, me puede decir qué es lo que tiene de bueno esta película???? Una hora y treinta y siete minutos de metraje que no aportan absolutamente nada de nada!!.

Para comenzar, la cinta es terriblemente lenta, considerando el hecho de que la mayor parte de los espectadores ya saben a dónde conduce la historia pero ésta se resiste en avanzar. Así mismo, toda la historia es tan inverosímil de principio a fin que no sé ni por dónde empezar a comentarla. Vamos a ver:

En primer lugar hay algo que no acabo de entender. El producto que diseñan probándolo en monos para qué es, para curar Alzheimer o para crear monos más listos? Porque al final la cosa no queda clara. Lo que sí queda claro es que lo que en Caesar (el mono protagonista) tarda años en desarrollarse (y eso que lleva el producto por herencia genética), en sus compañeros de jaula hace efecto inmediato y basta con rociarles una vez con el producto, y a todos a la vez.

Los monos, se nota a la legua que están generados por ordenador y el director se empeña en darnos primeros planos una y otra vez. Vale que Andi Serkis lo hace muy bien y estoy seguro que algún día se ganará el Oscar (que ahora se lo lleva cualquiera por cierto), pero tampoco insultemos la inteligencia del espectador.

No entraré demasiado a hablar de los actores porque realmente no hay nada que hablar. James Franco con su habitual cara de fumado, John Lithgow, un talento desaprovechado. Menos mal que nos regalaste aquella inmensa temporada en Dexter. ¿Pero qué decir de Tom Felton? Ya hizo bastante poco en Harry Potter, pero es que aquí da hasta pena. Para qué seguir.

Sin embargo, lo peor de lo peor viene ahora. En la película se nos da a entender que el compuesto que hace inteligentes a los monos, mata a los humanos. ¿Será esa la idea que tiene Rupper Wyatt para exterminar a la raza humana? ¿Un virus? Por Dios, que alguien le diga antes de que haga un disparate, que en la Cinta Original, la raza humana desaparece por la guerra nuclear.

Voy a parar porque si no puedo escribir folios y folios sobre esta cinta. Un pequeño guiño con la frase “get your paws of me you damned dirty ape” no camufla una bazofia, una soberbia pérdida de tiempo, yo diría que la peor película que he visto en muchos años. Lástima que lleve el nombre de su Gran predecesora.

Muy apta para todos aquellos que no se conforman con un perro o un gato como animal de compañía en casa.

Star Wars - The Return of the Jedi

Dicen que bien está lo que bien acaba, y aunque en este caso el producto final no fue todo lo grandioso que se esperaba, supongo que consiguió en su momento calmar la sed de aquellos que por la época jugaban con una linterna a modo de espada laser.

Tras el enorme The Empire Strikes Back, llegó por fin The Return of the Jedi para poner punto y final a una de las sagas mejor consideradas, más afamadas de la historia, y por qué no decirlo también, más suculentas hablando en términos económicos.

Recuerdo que durante mucho tiempo, y no sé muy bien porqué, ésta fue la entrega que más me gustaba de la denominada “Trilogía Clásica”. Sin embargo, con el tiempo llegué a ver que su predecesora era inmensamente mejor, y que ésta a pesar de ser una gran película, flojeaba por muchos puntos.

Como dije en las reseñas anteriores, yo me considero un gran fan de de la Saga en general. No obstante quiero dejar el fanatismo y las emociones de lado, y analizar éste filme de forma objetiva. Y creerme cuando os digo que hay material suficiente como para escribir folios y folios.

Como en términos generales la película me gusta, prefiero empezar por comentar todo aquello que chirría en ésta entrega para acabar con los contrapuntos positivos. Para comenzar vemos que el tono oscuro y tenebroso de su predecesora prácticamente se pierde, para movernos por una escala de colores que se va hacia el verde (Yabba, Dagobah, Endor, uniformes rebeldes, etc.).

Seguimos con lo que yo creo que es el principal punto débil, que no es otro que la poca originalidad del guión. A falta de ideas, volvemos a lo mismo, resulta que el Imperio construye….otra Death Star, dejan el mismo punto débil que la última vez pero esta vez más grande y para colmo informan a los rebeldes de su existencia.

Así mismo, tras haber presenciado la gran batalla en Hoth de Rebeldes contra los AT-AT Imperiales, ahora tenemos que presenciar una lucha de osos de peluche (¿no podían haber usado algo menos irrisorio?) contra una especie de gallinas mecánicas que se destruyen sólo con ponerles la zancadilla, en una parte de metraje demasiado larga, poco creíble y demasiado cargada de elemento cómico dadas las circunstancias. Es evidente que las leyes del Cine Familiar exigían algo así, pero por favor. Esta es una película dirigida al público adulto.

Las escenas añadidas de las versiones de DVD de 2004 son aberrantes. Las escenas de celebración en Naboo y Coruscant sobran totalmente puesto que en la trilogía clásica, ambos mundos no se mencionan jamás!!.

Por otro lado también aluciné, entre otras cosas, al ver que habían substituido al Anakin original (Sebastian Shaw) por Hayden Christensen en la escena final. Esto me parece un insulto y una falta de respeto por parte de Lucas hacia su reparto original. Os imagináis que hubieran sustituido también a Alec Guinnes por Iwan McGregor?

Ahora bien, la cinta como decía antes, también tiene puntos muy memorables que hacen que a pesar de todo lo anteriormente mencionado, se puedan perdonar todos los fallos y se pueda poner un punto y final con cierta dignidad.

La fotografía sigue siendo esplendida al igual que los decorados. Sin necesidad de entornos creados de forma artificial para dar sensación de realismo. Así mismo, el filme tampoco aburre por lo que no se pierde la sensación de aventura y acción en ningún momento.

Los actores siguen todos en su línea. Tal vez destaque algo más Mark Hamill en un papel algo más maduro que en las entregas previas, y aunque no impone el respeto que cabía esperar de un caballero Jedi como fueran Obi Wan Kenobi o Qui Gon Gin, tampoco lo hace del todo mal.

Para mi, lo mejor de todo es el combate final entre Darth Vader y Luke. No sólo es magistral en cuanto a su puesta en escena, sino que su combinación con la ya legendaria música de Williams sigue haciendo que cada vez que la mire, se me sigan poniendo los pelos de punta.

Así pues llegamos con ésta película al broche final de una gran historia creada como un cuento acabando con “y fueron felices y comieron perdices”.

El discurso del rey

No sé cuantas veces habré dicho que desde hace más de una década el mundo del Cine carece de originalidad y de ideas y que para cuando aparece una buena sugerencia, hay veinte horribles. Pues bien, esta es una de esas ocasiones en la que tenemos la excepción que confirma la regla como se suele decir.

El Discurso del Rey nos presenta una idea que en aquella época, los años 30, era prácticamente impensable. Las personas de sangre real también sufrían de miedos y complejos, sí, no eran super hombres que eran felices únicamente por estar podridos de dinero.

Colin Firth de una manera magistral da vida a quien años después sería el Rey Jorge VI de Inglaterra. Aquejado de tartamudez y acomplejado por su incapacidad de hablar en público, “Berti” entabla una relación que al final será de gran amistad con un logopeda australiano (Geoffry Rush) sin títulos ni acreditaciones y con unos métodos un tanto curiosos, que aportan el contrapunto cómico y a la vez sentimental a la película.

Como he dicho antes, en una época en la que a un miembro de la realeza era considerado casi como una divinidad, el trato cercano, quasi-descarado del logopeda con quien después pasará a ser Rey de Inglaterra, es un aspecto muy bien tratado en el filme y que da ese toque humano a la relación entre médico y paciente.

También quisiera destacar la ambientación. Juegos de luces y sombras, colores tristes y grises en un Londres con esa neblina que le caracteriza, en un ambiente de tensión e incertidumbre en el preludio de la II Guerra Mundial. También destaca una magnífica fotografía y una gran banda sonora que acompaña de forma magistral cada una de las escenas de la película.

Por el reparto aparecen una serie de actores de talla sacados de la saga de Harry Potter como Michael Gambon y Helena Bohan Carter que aportan su granito de arena, aunque el 98% del peso de la película recae sobre los dos protagonistas.

Quizás uno de los aspectos más logrados de éste filme es conseguir humanizar la figura de un Rey, ya que nunca he considerado la familia Real Británica (ni a ninguna otra) cercana al pueblo aunque los británicos los adoren mientras ellos se forran a su costa.

Si hemos de sacar algún punto negativo a esta entrega es un previsibilidad como suele ocurrir en la mayor parte de producciones que están basadas en hechos reales. Pero aunque esto ocurra, al menos desde mi punto de vista, en ningún esta previsibilidad hace caer en el aburrimiento.

Una gran propuesta y un soplo de aire fresco para la cansada industria del cine actual. Muy recomendada para todos aquellos que piensan que los Reyes tienen sangre azul.

V de Vendetta

Las adaptaciones de comics a formato cine han sido un filón a explotar en la última década, y podría pasarme una hora poniendo ejemplos de ello. No obstante, tampoco se puede caer en el tópico de “todas son malas” puesto que hemos visto alguna que otra cosita buena por ahí.

La que hoy presento es una adaptación libre del cómic de Alan Moore “V de Vendetta” realizada por los hermanos Wachowski. Lo de adaptación libre lo digo porque ésta película según tengo entendido (yo no le leído el cómic) no es un calco de viñetas tal y como fuera “300” con su cómic homónimo. Seguro que a los puristas del cómic esto les ha parecido poco menos que una blasfemia y ya están practicando con capas y cuchillos para vengarse.

Sin embargo, yo que, repito, no he leído el cómic veo una historia muy atractiva e intrigante desde el principio. Una época que no sabemos bien si es el futuro cercano o tal vez un pasado reciente, en el que toda libertad del ser humano está limitada por un gobierno totalitario, y en el que un hombre enmascarado actúa de justiciero. Para entendernos sería como imaginar a Batman en la época de los Nazis.

Si bien en algún momento la película cae en el aburrimiento, la mayor parte de la misma mantiene una buena intriga y el espectador se mantiene pegado a su silla esperando el desenlace.

Aunque por toda la película pululan unos cuantos actores secundarios con una importancia relativa, los principales roles recaen sobre Natalie Portman y Hugo Weaving. Portman lo hace muy bien, pero Weaving es simplemente espectacular. Se pasa toda la película detrás de una máscara pero la fuerza de su voz hace que se demuestre su valía como actor.

A las grandes voces del cine: Vincent Price y Christopher Lee, y sin olvidarnos de Alan Rickman, ahora les añado la de Hugo Weaving, que os aseguro que en ésta cinta es magistral. Para todos aquellos que no acostumbren a ver las películas en V.O. encarecidamente recomiendo que hagan la prueba con ésta. No creo que ningún doblaje, ni tan siquiera uno hecho por Constantino Romero podría estar a la altura de la voz de Weaving.

A una puesta en escena magnífica y a una gran fotografía, le añado las fantásticas coreografías de las luchas con los cuchillos. Movimientos rápidos y precisos, acompasados con una gran banda sonora. Hay quien decía que esta película era como ver Matrix. Pues bien, seguramente quien dijo esto quería quedar de entendido en su círculo de amiguetes pero la realidad es que ambas películas se parecen como un huevo a una castaña.

Como aspecto negativo puedo decir que el final de la película me pareció algo melodramático aunque con una buena puesta en escena.

Por lo tanto, una gran película, muy apta para todos aquellos que de pequeños soñaban con ser un justiciero y vengarse de algún profesor que les suspendió.

La piel que habito

He de admitir que no fui con ganas al cine, pero eso muchas veces me ha funcionado, ya que algo que pienso que no me va a gustar pues al final me acaba gustando. Por otro lado, todos los que me conocen, ya saben que tengo bastantes prejuicios contra el cine español lo que sin duda puede alterar mi visión sobre un producto nacional.

La cuestión es que hace un par de semanas accedí a ver La piel que habito, la última obra del tan aclamado director manchego y que tan buenas críticas ha tenido.

Esto último es precisamente lo que más me sorprende porque me hace pensar que realmente no entiendo nada de cine. Aunque también me pregunto si el hecho de que te guste un director provoca ceguera y fe ciega en todo aquello que el hace.

La cuestión es que cuando comenzó la película no sabía qué es lo que iba a ver, mientras la veía mi asombro crecía y cuando salí del cine, tenía aún menos idea de lo que había visto que cuando entré. Durante los primeros 40 minutos de metraje, me aburrí solemnemente esperando que algo pasara pero mis esperanzas se iban desvaneciendo mientras se sucedían imágenes algo esperpénticas, inconexas y una serie de acontecimientos que mi mente era capaz de interconectar.

Alcanzada la hora de metraje yo seguía sin saber si estaba viendo una película de serie B, un thriller, un drama o una película policiaca. El guión empezaba a perderse en la inmensidad y yo me revolvía en la butaca. No obstante llegado aquel punto, un pequeño giro hizo que volviera prestar atención durante al menos 20 minutos de metraje en los que parecía que por fin estábamos llegando a algún sitio.

No fue no es más que una falsa alarma, al final todo conllevó a un desenlace que si bien podía haber sido extraordinario, resultó ser plano y falto de emoción. Además, el filme tiene uno de esos finales que odio de primer plano de una cara y pantallazo negro en seco.

Que puedo decir? La verdad es que no estoy seguro. Soy muy principiante en el cine de Almodovar, pero a mí esto me recordó más a una película de los Cohen al estilo El hombre que nunca estuvo allí. Sin embargo, como lo apropiado en una crítica es mojarse y no dar opiniones ambiguas, me decanto por decir que la película es mala con algún que otro toque afortunado. Si realmente esto es el cine de Almodovar, yo paso de ver más.

Ni siquiera el hecho de que saliera Banderas pudo arreglar nada. Por lo que vi, es mejor que se quede con el antifaz negro y la espada porque esto no le va, o no le pone demasiado entusiasmo. El resto del reparto salvo la protagonista (Elena Anaya) que tiene sus momentos de gloria, es mediocre y no destaca nadie en particular.

Si algo he de destacar de forma positiva es su banda sonora en la que predomina el uso del violín. Realmente muy buena. La fotografía también es buena y técnicamente tampoco se le puede sacar demasiados fallos aunque para mi gusto se abusa en exceso de los primeros planos y los flashbacks.

Muy recomendada para los incondicionales de Almodovar. Para todos los demás, su visionado es bajo vuestra propia responsabilidad.

The Empire Strikes Back

En la reseña de “A New Hope” me preguntaba si cuando Lucas hizo la película, ya tenía en mente hacer una trilogía (o dos...). Hace 30 años, los directores no pensaban tanto en “hacer tres cachos para sacar más dinero” así que es me atrevo a decir que no, aunque quien sabe….

Sin embargo, fuera de ese modo o simplemente por pura casualidad, unos cuantos años más tarde de asombrar al mundo con el ahora conocido como Episodio IV, aparecía “The Empire Strikes back” ahora llamado Episodio V.

No obstante, antes de decir nada más hay que comenzar por aclarar que ésta entrega ni la dirigió ni la escribió Lucas. Irvin Kershner fue el encargado de dirigir ésta cinta aunque parece ser que Lucas aportó el “argumento”, y más importante aún, se llevó todo el mérito.

En contra de lo que siempre se dice que “segundas partes nunca fueron buenas”, esta entrega supera con creces a su predecesora. No sólo por su tono oscuro sino porque la trama es bastante más compleja e interesante.

Tenemos dos líneas de acción claramente diferenciadas en ésta parte. Por un lado Han, Leia, Chewaca y C3PO en su periplo galáctico con Darth Vader pisándoles los talones, y por otro Luke en su mística búsqueda de su maestro Jedi.

¿Qué puedo decir de los actores? Mark Hamill en la línea de la primera entrega, algo flojo pero sin destacar negativamente ni positivamente. Su papel está poco explotado considerando que es una pieza clave. Carrie Fisher tampoco entusiasma, y si bien ya no es la princesita pija que vimos en el episodio IV, tampoco aporta demasiado. Sin embargo Harrison Ford sigue siendo el crack, luciéndose con su chulería innata.

En éste episodio Darth Vader adquiere toda su majestuosidad y se convierte en el villano más querido de la historia. Impone cada vez que entra en escena acompañado de la ya mítica Marcha Imperial del grande, grandísimo John Williams. David Prowse bajo la armadura y la poderosa voz de James Earl Jones en su doblaje.

Sin duda el éxito de la primera entrega ayudó a que ésta contara con un presupuesto inmensamente superior, algo que se deja notar en el vestuario y sobre todo en los escenarios, Hoth, el bosque de Dagobah, Vespin la Ciudad de las Nubes, etc. El efecto de luz en los sables laser también está mucho mejor conseguido.

Salvo errores y gazapos de poca monta, poco se puede decir de ésta entrega en términos negativos. A mí me llamó la atención que en la presentación inicial de Yoda, un Maestro Jedi que ha luchado en las Guerras Clon, que ha volado en naves espaciales, que ha manejado una espada laser como quien maneja un bolígrafo, que ha visto hologramas, coches que vuelan y una ciudad tan avanzada como Coruscant, etc, etc, etc, se queda alucinado al descubrir….. ¡¡¡una linterna!!!!.

Pero sin darle más importancia a detalles como este, puedo decir simple y llanamente que The Empire Strikes Back me parece la mejor entrega de toda la Saga y la prueba es que después de 30 años, su grandeza sigue intacta.

Muy recomendable para todos aquellos que aun se preguntan cómo pasan por las puertas romboides esas tostadoras con ruedas que recorren las naves Imperiales.

La Lista de Schindler

No recuerdo en qué serie fue, pero me hizo gracia que uno de los protagonistas dijo “si quieres triunfar en Hollywood haz una película sobre el holocausto”. El hecho de que una buena parte de las estrellas actuales de cine sean judías, hace que ésta afirmación sea muy cierta.

No obstante, hacer una película sobre uno de los episodios más negros de nuestra historia y no repetir lo que ya hemos visto en otro centenar de películas sobre el tema no es fácil y como veremos, ésta dificultad se hace patente en esta producción.

Después de haber abarcado temas muy variados como camiones que persiguen, tiburones devoradores, dinosaurios vivos o un tipo con sombrero y látigo que monta a caballo, yo creo que nadie podría imaginarse a Steven Spielberg abarcando un tema tan denso y a la vez complicado como el que envuelva a éste film. Hasta el momento “las aventuras” eran su modus operandi.

La Lista de Schindler es una cinta muy buena y que hará llorar a prácticamente todo el mundo, pero estoy muy lejos de calificarla de obra maestra como muchos hacen sin dudar.

Sin lugar a dudas destaca por encima de todo, las brillantes actuaciones de Liam Neeson interpretando a un Oskar Schindler avaricioso y sin escrúpulos en un principio pero que después nos va mostrando su lado más humano, y sobre todo Ben Kingsley que con su interpretación del contable judío Itzhak Stener nos deja a todos con la boca abierta. Ralph Fiennes lo hace bien, aunque su papel es demasiado prototípico y poco cuidado. Un nazi que es malo y cruel hasta más no poder, capaz de las mayores barbaridades sin el menor pestañeo.

Quizás uno de los mayores aciertos fue dar el toque de “blanco y negro” a la cinta. Siempre me ha gustado muchísimo el blanco y negro, le da un encanto especial a las películas y en este caso le aporta a la cinta ese aura sombría que tanto necesita. Y por supuesto no podemos olvidar que este “aura” tenue y deprimente queda del todo completo gracias a la magistral banda sonora del gran John Williams.

también me gustó mucho la fotografía, los primeros planos. Es curioso cómo el humo de los cigarrillos parece inmensamente más denso en blanco y negro que en color.

Sin embargo, a pesar de que en ningún momento me dieron ganas de levantarme cuando estaba viendo ésta cinta, sí que hay algo que me dejó un cierto sabor agridulce. Spielberg no es en absoluto objetivo desde el momento en el que trata un tema tan sensible como el Holocausto de forma absolutista. Él lo reduce a que todos los judíos son buenos, todos los alemanes son asesinos y todos los polacos son crueles colaboracionistas.

Polanski en El Pianista (que ya comentaremos en otra ocasión) da una visión mucho más adecuada a la realidad, quizás porque él mismo fue protagonista de lo que describe y comprende que no se puede simplificar algo tan complejo convirtiéndolo en verdades absolutas.

En definitiva una película conmovedora, algo larga, y que a pesar de todo valoro de forma positiva y que recomiendo a pesar de, repito, no estar de acuerdo con su categoría de obra maestra.

Blade Runner Returns? Begins? Reborn?

Creo que no me he cansado nunca de decir que la industria de Hollywood ya está acabada, marchita, sin recursos y sin imaginación. Decidme cuantas películas ha habido en la última década que no hayan sido remakes, secuelas, precuelas de éxitos harto olvidados, comics, novelas o demás variantes llevadas a la pantalla con la esperanza de arañar algún dólar.

Sin embargo nunca me pude imaginar que la “enfermedad” de los remakes pudiera alcanzar a Blade Runner. Eso sí que no.

La prensa ha publicado recientemente que “Ridley Scott vuelve con una nueva entrega de Blade Runner. El británico se ha comprometido con Alcon Entertainment para dirigir y producir este filme, aunque todavía no se sabe si se tratará de una secuela o una precuela de la misma. una continuación del filme original o una precuela. Tampoco se confirma que Harrison Ford, el protagonista de aquella cinta, regrese de nuevo en la piel del detective Rick Deckard.”

La verdad es que no encuentro palabras para poder mostrar mi indignación ante esto. Cada vez que un director ha intentado rescatar alguna vieja gloria lo único que ha conseguido es un sonoro y catastrófico desastre. Creo que el más sonoro fue el de “Ultimatum a la tierra” en una de las aberraciones cinematográficas más salvajes que yo haya podido ver.

Blade Runner se ha ganado por derecho propio su sitio entre las mejores películas de la ciencia ficción después de fracasar en su estreno. Eso significa que películas como ésta se han de respetar y mantener tal cual son. Eso es precisamente lo que las hace especiales.

Ya tuvimos que soportar diversas versiones de Scott en su momento, pero a qué viene esto ahora? Tan mal está de dinero que necesita explotar lo inexplotable? Lo siguiente qué será, “Aliens reborn”? “Gladiator Returns”? A ésta cómo le llamará, “Blade Runner the Beginning”?

En fin, qué podemos esperar ya. En una época en la que ya vamos por la entrega 7 del planeta de los simios, no cabe esperar otra cosa.

Fresas Salvajes

Creo que no exagero si afirmo que ésta reseña es la más complicada a la que me he enfrentado hasta ahora. Y no te digo nada el día que me ponga con el Séptimo Sello. No por el hecho de que la película que voy a tratar ofrezca mayor o menor complejidad, sino por el hecho de que soy consciente de que piso un terreno muy inestable a la hora de valorar una obra de Bergman.

Por el momento únicamente he visto dos films del director Sueco y por lo tanto mi visión del mismo puede estar un poco distorsionada o simplemente carezca del suficiente rigor. No obstante, me da la sensación de que se trata de una persona que en sus productos imprime siempre sus inquietudes sobre la vida cotidiana, la existencia de un Dios, la vida, la muerte, la soledad, la felicidad…

Fresas Salvajes es una oda a todos estos conceptos. Una metáfora a través de la cual, se muestra a un hombre que ya en su vejez y a punto de que se le reconozca a través de un galardón toda una vida de trabajo, descubre que su vida dista mucho de haber sido completa.

Para los extraños, nuestro protagonista (Victor Sjöström) es una persona educada, inteligente y un gran hombre al cual tienen un gran respeto y admiración. No obstante para sus más allegados (hijo, nuera, ama de llaves) no es más que una persona enormemente egoísta, fría, insensible y solitaria.

En un viaje en coche desde Estocolmo a Lund de 14 horas, nuestro protagonista ve a través de diversos recuerdos y sueños los momentos más felices de su vida (su primer amor Sara recogiendo fresas), pero al mismo tiempo también le hacen ver sus terribles fracasos como persona que a lo largo de los años le han hecho convertirse en lo que es actualmente.

Una de las escenas más bonitas de todo el film corresponden al “examen” al que el profesor es sometido en un escenario onírico, en el que ve cómo por su dejadez e indiferencia, dejó que su ya fallecida mujer cayera en brazos de otro hombre.

Tal vez otra persona realizaría una diferente interpretación pero yo lo que veo es que el mensaje subyacente en esta cita es que aunque pueda parecer imposible, nunca es tarde para intentar arreglar los errores que hemos cometido en la vida.

Desde el punto de vista de calidad visual poco puedo decir. Fotografía muy cuidada, planos mucho más cortos e intensos de lo que yo me esperaba y por supuesto ese encanto particular que da el blanco y negro a las películas.

Puedo decir por tanto, que no me arrepiento de haber visto ésta cinta, ya veremos cómo resulta el resto de mi aventura por la filmografía del director sueco. Hasta la próxima.

El Bosque

Después de haber visto La Joven del Agua, la cual por cierto me gustó bastante, no tuve demasiados reparos en sentarme a ver ésta cinta del director hindú Shyamalan, la cual después de su estreno en 2004, según tengo entendido recibió un aluvión de críticas negativas. ¿por qué? Pues muy sencillo.

Los trailes y teasers que se emitieron en su momento, y lo he comprobado personalmente, daban a entender que ésta era una cinta de terror, y bajo esa premisa se presentó el film en la gran pantalla, lo cual atrajo a un determinado público que comprobó desilusionado cómo ésta historia, si bien tiene suspense y algún que otro sustillo, de terror no tiene nada de nada.

El Bosque es la historia de un pequeño pueblo rural llamado Convington (en el wikipedia he visto que está en Pennsylvania) aparentemente en pleno siglo XIX. Se podría describir como un pueblo Mormón o Amish a juzgar por las vestimentas y las costumbres que presentan en el comienzo del film.

Joaquin Phoenix y Adrien Brody encabezan un reparto en el que también podemos encontrar otras caras conocidas como la de Sigourney Weaver, aunque algo más mayorcita que en Alien, y una joven llamada Bryce Dallas Howard que realmente destaca en este reparto con una muy buena interpretación de una chica ciega aunque también es cierto, que puede llegar a resultar cansina en algún momento.

Joaquin Phoenix realiza una interpretación magnífica en un papel que parece estar hecho a su medida, mientras que Adrien Brody únicamente es el “alivio cómico” para atenuar algunas escenas de tensión en un papel algo sobreactuado y que no le permite explotar demasiado su talento.

La historia es bastante simple a la vez que intrigante. Una aldea que se encuentra rodeada por un bosque al cual los habitantes de la aldea tienen prohibida su entrada por la existencia de “aquellos de los que no se habla”. Al otro lado del bosque está “la ciudad”, un concepto prácticamente desconocido para muchos de los habitantes jóvenes de la aldea ya que representa el “mal y la crueldad” y por tanto les está vetada.

Aunque con ésta explicación la idea quede un poco difusa, no quiero decir nada más puesto que destriparía toda la película. Realmente puede parecer un guión estúpido y sin ningún atractivo. No obstante no es así. Y por cierto, como no podía ser de otra manera con una cinta de Shyamalan, nada es lo que parece por obvio que pueda resultar.

Una vez más las imágenes se mueven a ritmo de la gran música de James Newton Howard, un compositor que desde mi punto de vista está a la altura de los grandes.

Desde luego nada que envidiar a Zimmer, Horner o Shore.
En definitiva un ejemplo más de que es mejor tomar siempre las críticas negativas de una película con un poco de cautela, ya que en ocasiones películas tan desprestigiadas como ésta, pueden dar sorpresas agradables. Pero como suelen decir….para gustos, los colores.

Stargate Atlantis

Lo prometido es deuda, y ya dije en su momento que dedicaría un apartado a comentar el magnífico spin-off de Stargate SG-1 que me quedaba: Stargate Atlantis.

Uno de los aspectos más curiosos de ésta nueva variante de nuestra querida Puerta estelar, es que comienza aún con Stargate SG-1 en antena. Aquí los productores no esperaron a terminar una y posteriormente, al cabo de un tiempo prudencial, comenzar con la otra para aprovechando la “sed de los fans” conseguir un puñado de dólares. Sin embargo, el resultado fue muy exitoso.

Evidentemente, como no cabría esperar de otra manera, Stargate Atlantis conserva el patrón marcado por su predecesora, aunque no es un calco de la misma. El hecho de que el equipo de dirección sea el mismo que en SG-1 permite mantener bien separadas una serie de la otra y al mismo tiempo proporcionarle las similitudes necesarias que tanto atraen a los fans.

Aquí se nos presenta un mundo diferente, una nueva galaxia y unos nuevos “malos” llamados Wraith que dan un cierto aire fresco y renovado a los ya gastados Goau’ld o a los malogrados Ori que casi consiguen hundir 10 años de éxito.

El reparto es bastante adecuado para un producto como éste, con unos personajes a los que acabas cogiendo bastante cariño. No entraré a detallar cada uno de ellos, pero sí que destaco sin dudar a David Hewlett como el Dr. Rodney McKay. Un científico con un ego que no cabe ni en un estadio de futbol y una chulería innata que es directamente proporcional a su grado de inteligencia. Este personaje aporta un buen puñado de humor y buen rollo a cada episodio.

Atlantis presenta una atmósfera algo más oscura que la que le precede así como unos buenos decorados, efectos visuales muy buenos, considerando que se trata de un producto televisivo, y unos guiones bastante acertados, que hacen de Stargate Atlantis una serie que nada tiene que envidiar a su predecesora.

Tras 5 años en antena, Stargate Atlantis deja su huella en el mundo del Sci-Fi junto a Stargate SG-1. Dos grandes series que los fans hemos disfrutado durante muchos años.

9 Días

Generalmente nunca voy al cine con la mentalidad de “a ver que veo hoy”, pero aquella vez me arriesgué. Corría el año 2002 y en la cartelera del cine se anunciaba una película que tenia a Anthony Hopkins y a Chris Rock como protagonistas.

La verdad es que sin pensarlo demasiado, compré una entrada y me senté a ver 9 Dias. No esperaba gran cosa por lo que me preparé para una posible gran decepción. Cuál sería mi sorpresa cuando descubrí que la cinta me enganchaba desde el principio.

Lejos de ser una gran película, Bruckheimer se encarga de que pases un buen rato, eso sí, con el manual de “como hacer una película en 10 lecciones” en la mano.

Esta cinta tiene todos esos ingredientes que nunca antes hemos visto en películas americanas de acción / aventuras (me parto). Un detective blanco junto con un detective negro y que además tienen una personalidad completamente opuesta. Un arma nuclear que va hacer saltar por los aires Manhattan en un claro síndrome Post 11-S, y unas cuantas cosillas más que no diré porque no quiero destripar la peli.

Hopkins y Rock son dos buenos actores y la verdad es que su actuación no deja lugar a la crítica. Chris Rock en su papel de rapero payasete y Anthony Hopkins con su habitual temple y maestría. Existen otros actores secundarios pero que a decir verdad tampoco merecen ser destacados pues aparte de su cometido como “relleno” no dan demasiado juego.

Como ya digo, no es un film que llegue a pasar a la historia ni que ocupe un lugar en el libro “las 1001 películas que hay que ver antes de morir”. No obstante, para aquellos como yo, que de vez en cuando les gusta sentarse a ver una película de acción sin mayores pretensiones, esta es una buena opción.

Nada de complicaciones en el guión, ni giros inesperados, ni realidades alternativas, ni nada por el estilo. Un guion simple, un trabajo rutinario y muy previsible a pesar de intentar crear cierta tensión narrativa. Música adecuada para el producto al igual que la fotografía.

En definitiva, peli palomitera a más no poder y entretenimiento garantizado. Muy recomendada para todos aquellos que piensan que realmente un avión se estrelló contra el Pentagono.

Inception

Por todos es sabido, y ya lo decía el gran Pepe Rubianes que entre el público siempre se encuentra el “que compara”. No han faltado para éste film todos los que han soltado un “es una copia de Matrix”.

Esto me recordaba a todos aquellos que cuando salió “K-19 The Widowmaker” la comparaban sin pestañear con “La caza del Octubre Rojo”, cuando lo más parecido entre una y otra era la nacionalidad del submarino.

Sin embargo, dejando a un lado comparativas y comentarios pueriles, Inception es un nuevo concepto de película. Algo original y que no tiene la clásica fórmula utilizada hasta la saciedad en la gran pantalla, en las ya aburridas precuelas, secuelas, novelas y super-herores.

Sin entrar en muchos detalles sobre el argumento de la película, Inception es una cinta de ciencia ficción en la que el protagonista (Leonardo DiCaprio) es un ladrón de sueños. Una persona con un don especial para adentrarse en el subconsciente de una persona e influir en sus acciones o extraer información.

Una vez más, DiCaprio muestra su valía como actor realizando un trabajo soberbio con un perfil emotivo pero a la vez firme y contundente que no deja indiferente a nadie.

Los sueños, que son el escenario de la película, son lugares creados por la persona que los “invade” y que pueden modificarse a placer, generando situaciones de horas, días, semanas o meses, aunque la persona únicamente esté 15 minutos dormida.

El plato fuerte de la producción, cómo no, se fundamenta en hacer que el espectador durante un buen rato no tenga claro lo que está visualizando y al mismo tiempo que disfrute con magníficas secuencias de acción y otra serie de grandiosidades visuales y argumentales regadas con una buena ambientación sonora.

La complejidad argumental es elevada, y sin necesidad de ser incomprensible, hace que el espectador mantenga toda su atención en lo que está pasando. A pesar de su larga duración, Inception no se hace para nada larga, y es más, cuando acaba te deja con esa sensación de querer seguir viendo más sobre éste mundo onírico creado por Christopher Nolan.

En definitiva, una película sensacional que merece más de un visionado para poder disfrutar y entender plenamente todas las subtramas que presenta.

Muy recomendada para todos aquellos que alguna vez han tenido un sueño difícil de diferenciar de la realidad.